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Art : Concept: Whitney Bedford - Arcadia - 15 Nov 2008 to 10 Jan 2009

Current Exhibition


15 Nov 2008 to 10 Jan 2009
Heures d’ouverture : mardi - samedi 11h - 19h
Opening hours: tuesday - saturday 11h - 19h
Art : Concept
16, rue Duchefdelaville
F - 75013
Paris
France
Europe
p: +33 1 53 60 90 30
m:
f: +33 1 53 60 90 31
w: www.galerieartconcept.com











Arcadia, 2008, encre et huile sur bois, 101,5 x 132 cm
Arcadia, 2008, ink and oil on panel, 40 x 52 in
Image © Whitney Bedford, courtesy Galerie Art : Concept
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Artists in this exhibition: Whitney Bedford


English Below

Whitney Bedford
Arcadia
15 novembre - 10 janvier 2009

Vernissage le samedi 15 novembre de 16 à 21h
Heures d’ouverture : mardi - samedi 11h - 19h



Dans Arcadia, Whitney Bedford fait la démonstration du romantisme et de la pertinence des notions de destruction et d’utopie. L’intérêt constant dont fait preuve Whitney Bedford vis à vis des mythologies privées et publiques est mis en évidence par ses dernières peintures qui se réfèrent à la fois à des sources personnelles et historiques.

Par sa décision de scinder l’exposition Arcadia en deux sections distinctes mais bien séquentielles, Bedford essaie de conter une histoire plus vaste à propos de la vie, une histoire qui nous parlerait d’une perte plus grande que la somme de ses différentes parties. Les peintures de Bedford qui traitent de la destruction, constituant la première partie de cette exposition, brossent le portrait de plusieurs sujets, allant de portraits illisibles aux tempêtes cacophoniques mêlant terre et mer.

L’apogée de ces travaux est une peinture de six pieds de haut représentant une victime que l’on extrait de la mer. C’est une image de réhabilitation, et cependant ce personnage, écrasé par les signes qui le forment, semble bien être en train de se noyer dans sa propre représentation. Au lieu d’être calme ou formellement apaisant l’acte d’abstraction est, dans Untitled (Lost/Found), vecteur d’une sensation violemment corporelle.

L’immense taille de cette peinture ainsi que la représentation taille réelle de la victime sont autant de moyens d’engager des idées de destruction à une échelle qui soit à la fois historique et physique. Les visions utopiques constituent la deuxième partie de l’exposition Arcadia de Whitney Bedford. Des paysages idylliques aux terres fertiles et aux cieux infinis qui, tout en étant considérablement différents par leur ton, gardent la nature en tant que dénominateur commun avec les peintures qui les précèdent. Ces visions partagées de la nature viennent former un dialogue étroit dans lequel les idées de désastre et ruine sont envisagées en parallèle à celles de rétablissement et résurrection.

Arcadia pose quelques questions romantiques qui demeurent significativement sans réponse dans leur dimension existentielle : Qu’es-ce qui fait avancer quelqu’un qui a tout perdu ? Comment une étendue peut-elle sembler si terrifiante à un moment donné, et exprimer autant d’espoir le moment d’après ?

L’Arcadie, de nos jours conquise et modernisée, continue à être citée comme le symbole du Paradis. C’est à cause des connotations historiques et poétiques du nom « Arcadie » que cette ville devient parfaite protagoniste de la narration arc-boutée de Whitney Bedford ; narration qui vise souvent l’idée qu’il existe « quelque chose de mieux », une force qui puisse transcender le temps et détrôner la réalité.




Whitney Bedford
Arcadia
15 November - 10 January 2009

Opening Saturday 15 November 16 - 21h
Opening hours: tuesday - saturday 11h - 19h



In Arcadia Whitney Bedford demonstrates the romance and relevance of destruction and utopia. Bedford’s continued interest in private and public mythology is evident in her latest paintings that draw from both personal and historical sources. In her decision to separate the exhibition Arcadia into two distinct but sequential sections, Bedford attempts to tell a larger narrative about life after loss that is bigger than the sum of its parts.

Bedford’s paintings of destruction, part one of the two-part exhibition, depict a range of subject matter, from confused portraits to cacophonous storms of sea and land. The pinnacle of these works is an eight-foot tall painting of a victim recovered from sea. The image is one of rehabilitation, yet the figure, overwhelmed by the marks that make him, appears to be drowning in his own representation. Rather than being peaceful or formally calming, the act of abstraction in Untitled (Lost/ Found) feels like a violent attack against the body. The immense size of the painting and life-size portrayal of the victim are also a means of engaging ideas of destruction on a scale that is both bodily and historical.

Visions of utopia comprise the second part of Bedford’s Arcadia. Her idyllic paintings of fertile landscapes and infinite sky, although significantly different in tone, share nature as a common subject. Through shared images of nature a tight dialogue is formed between parts one and two of the exhibition, in which ideas of disaster and ruin are discussed alongside ideas of recover and resurrection.

Arcadia poses several romantic and unanswerable questions befitting of its existential subject. What motivates a person to continue after everything has been lost? How can an expanse at one moment elicit so much fear and, at another moment, so much hope? Arcadia, a conquered and modernized city today, lives on primarily as a symbol of paradise. It is because of the city’s historic and poetic connotations that Arcadia becomes the perfect protagonist for Bedford’s overarching narrative about the idea of something better and its ability to transcend time and supersede reality.








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